“Alla maniera di…”

El manierismo se inició al ponerse en duda por parte de los artistas la normativa clásica. Las obras se volvieron más subjetivas y personales, los autores se dejaron llevar por su propia capacidad creativa. No es casualidad que coincida cronológicamente con la profunda crisis espiritual que invadió Italia tras el Sacco di Roma (1527), y toda Europa con las guerras de religión. Los graves problemas políticos y religiosos rompieron la visión optimista del humanismo. El Renacimiento llegaba a su fin y se abría un tiempo nuevo, con una nueva sensibilidad estética¹.

Curiosamente esta reacción anti-clásica busca su lenguaje formal en los propios artistas del clasicismo: Rafael, Leonardo y, sobretodo Miguel Ángel y la escuela veneciana. El origen del término manierista parece estar en al expresión: “alla maniera di…” estos grandes maestros pero introduciendo la personalidad de cada artista.

Con el tiempo el término se cargó de connotaciones peyorativas, “alla maniera” paso a entenderse como la imitación de la técnica de los grandes maestros pero sin su componente de genialidad; o como una fase decadente tras un periodo clásico². Desde los años 30 del siglo XX el interés por este arte ha sido recuperado.

Versión PDF: El manierismo y el Greco

Características del manierismo

Enumerar las características del Manierismo es muy difícil por estar a caballo entre dos estilos como el Renacimiento y el Barroco, siendo un estilo de frontera que menudo se confunde con ellos. Entre los más definitorios podemos señalar:

• Ruptura o tergiversación del canon de belleza clásico: elementos como la serenidad, el equilibrio o la claridad de la composición desaparecen³.
• La verosimilitud se vuelve innecesaria: la abstracción, la individualidad, la tensión interior cobrar protagonismo. Hay una conciencia clara de subjetivismo entre los artistas. Los artistas se van a dar cuenta que su arte no imita la naturaleza, ya que esta es cambiante y plural. No hay una naturaleza única sino que surge de la mirada particular de cada artista. La naturaleza deja de ser el modelo o punto de referencia, sustituida por el lenguaje artístico.
• Convencionalismo del color, las proporciones y posturas de las figuras en los cuadros y esculturas.
• Elitismo e intelectualismo: es un arte es muy complejo y refinado, reservado para las minorías. Iniciadas y alejado el pueblo (todo lo contrario que el Barroco).

La pintura manierista italiana

La pintura manierista italiana presenta unos rasgos generales, entre los que destacan:

• El uso del color de forma arbitraria. Predomina una paleta de colores fríos, sorprendentes e irreales.
• La luz es irracional y desmaterializa la forma.
• Las proporciones de las forma son irreales. Las figuras se alargan a voluntad, estilizándose hasta hacerse son ingrávidas y etéreas.
• Ubicación incierta de los personajes, muchas obras no muestra un espacio arquitectónico definido y limitado. Otras figuras están atrapadas en marcos estrechos, dando sensación de angustia y agobio.
• La formas curvas, serpentiformes y los forzados escorzos distorsionan hasta dislocar las formas, expresando su alejamiento del mundo de referencias reales.
• Las composiciones son inestables, rompiendo con los modelos renacentistas.

  

  Las características citadas anteriormente son generales, pero debemos matizarlas según autores y procedencias. Podemos distinguir tres escuelas:

• La escuela de Florencia: donde Jacobo Pontormo (1494-1557) representa con minuciosidad la pompa de la sociedad, rompe las reglas compositivas y desaparece la unidad de acción clásica en obras como La vida de José. Bronzino (1503-1572), discípulo del anterior destacó como retratista, sus personajes aparecen en actitudes forzadas, dramáticas; el retrato de Lucrecia Panciatichi es un ejemplo del tratamiento frio, escultórico y elegante de sus retratos.
• La escuela de Parma: en esta ciudad trabajó Correggio (1493-1534), uno de los primeros artistas de este estilo. Es el gran maestro del escorzo, pero también de los rasgos delicados, es una pintura muy amable, blanda, suave; en figuras de mujeres, niños, santos y ángeles muestra la exquisitez de su arte. Influido por Leonardo (sfumatto) y Rafael (delicadeza) que por Miguel Ángel. Los frescos de la Asunción del Virgen que pintó en la cúpula de la Catedral de Parma son su obra maestra, donde anticipa principios barrocos como el trampantojo.El Parmigianino⁴ (1503-1540) discípulo de Corregio, poseía una formación intelectual amplia y su pintura es elitista y compleja. Destaca su preciosismo, la dulzura, la gracia; pero también la artificiosidad y los juegos de perspectiva y proporción, como podemos ver en su autorretrato ante un espejo parabólico. Tuvo un gran éxito en Roma donde trabaja a las ordenes de Clemente VII, su protector, pero Tras el saqueo de Roma en 1527 huye a su patria, Parma.

  Su Madonna del cuello largo es casi un manifiesto del arte manierista. Es una pintura espléndida y compleja, para ser descifrada. Parmigianino era poseedor de una gran base cultural y una formación humanista sólida y rigurosa, pero se interesó también por las ciencias ocultas y herméticas de la alquimia. Vemos una columna que no sostiene nada, figuras ingrávidas y deformaciones anatómicas. Incluso hay un personaje al fondo del que desconocemos su significado. Vemos también un rostro es bello, pese a un cuello desmesurado, igual que las caderas y las piernas. Incluso el niño es enorme y aparece totalmente desarrollado. Es una figura absurda pero fascinante. La posición de las figuras es muy forzada, no se ajusta al canon clásico. Tampoco el espacio parece bien construido, se vuelve irreal e ingrávido.

• La escuela de Venecia: ya la hemos estudiado en el Renacimiento como precursora del Manierismo, especialmente Tintoretto, quien en el traslado del cadáver de San Marcos limita los fondo a unos trazos esquemáticos.
• No podemos hablar de escuela de Milán, pero en esta ciudad nación Archimboldo (1530-1593). Se formó en el norte de Italia pero su trayectoria artística se sitúa en Europa central (Viena y Praga). Su estilo es difícil de adscribir y se acerca a la cultura Barroca. Fue un pintor muy original de ámbito cortesano. Creó el género monstruoso, extravagante, pintando elementos incongruentes o extraños para formar un retrato. El retrato alegórico del Verano muestra una coherencia simbólica pues recoge los frutos y las plantas propios de la época o estación. Algunos creen que son bodegones personalizados convertidos en jeroglíficos, muy del gusto manierista. El naturalismo desplaza lo real y lo sustituye por lo simbólico, lo cotidiano es reemplazado por lo extraño y complejo. En la Alegoría del Bibliotecario crea un retrato a partir del amontonamiento de libros.

Estos autores, abrieron el camino hacia el barroco con sus fondos negros para resaltar las figuras y los efectos de luz pre-tenebristas.